Топ-50 молодых художников России
Артем Филатов. «Отряд». 2019. Фото: архив художника
Представляем рейтинг наших современников — топ-50 молодых художников, высоко оцененных профессионалами
Представляем вам 50 молодых художников, которые вызывают интерес у профессионалов. Мы хотим рассказать о новом поколении, дать какие-то ориентиры в море появляющихся на арт-сцене имен. Такие рейтинги наша газета делает регулярно, и они всегда пользуются огромной популярностью у читателей.
В случае с молодыми художниками очень сложно найти какие-то объективные критерии значимости и успеха, так как, в отличие от зрелых творцов, они чаще всего не могут похвастать ни рекордными продажами на аукционах, ни, за редким исключением, музейными выставками. Граница молодости по традиции была обозначена как 35 лет (включительно). Интервал между 18 и 35 годами достаточно большой, чтобы за это время можно было сделать карьеру и стать признанной звездой, и такие люди есть в нашем рейтинге, и понятно, что более юным коллегам сложно с ними конкурировать.
Тем не менее яркие и активные художники так или иначе попадают в поле зрения профессионалов, участвуя в самых разных галерейных и квартирных выставках, ярмарках, фестивалях, конкурсах, резиденциях и прочих арт-событиях. Здесь действуют такие критерии, как «видимость», «узнаваемость», и только потом наступает черед оценки эстетических достоинств и в конце концов любви и признания.
В нашей редакции есть люди, которые пристально следят за текущим худпроцессом и участвуют в нем. Но, чтобы картина была более объемной, основанной на разных мнениях, мы призвали на помощь независимых экспертов: музейных кураторов, галеристов, коллекционеров, критиков, представителей ярмарок, преподавателей художественных вузов — всех, кто занимается молодыми художниками. Спасибо огромное им за участие. Экспертам был предоставлен лонг-лист из 70 имен, составленный редакцией, из которого путем голосования по пятибалльной системе, где 1 балл — «слышал имя», а 5 баллов — «состоявшийся художник, надежда нашего искусства», был выбран топ-50 самых интересных героев.
В рейтинг вошли художники, проявившие себя на российской сцене, вне зависимости от места их рождения. Большинство наших героев родом не из столиц, хотя известность часто приходит к ним именно там. Однако помимо понятных Москвы и Петербурга, есть, конечно, и другие центры с активной художественной жизнью. Трудно перечислить их все, но стоит отметить феномен Нижнего Новгорода, где инициативы самих художников соединились с эффективной культурной политикой местной власти. Неудивительно, что первые два места в рейтинге заняли нижегородцы и что представители этого города фигурируют и на других позициях в списке.
На основании рейтинга можно сделать и некоторые выводы об эстетических приоритетах нового поколения, популярных темах и жанрах, весьма разнообразных — от постинтернет-живописи до видеомюзиклов, и мы надеемся, что это позволит вам лучше понимать, что происходит в российском современном искусстве.
01. Владимир Чернышёв (1992, Нижний Новгород)
Образование: Санкт-Петербургский политехнический университет Петра Великого
Награды, достижения: победитель грантовой программы Музея современного искусства «Гараж» (2017); финалист Премии Кандинского в номинации «Молодой художник. Проект года» (2021)
Персональные выставки: Frieze, № 9 Cork Street (Лондон); Lime gallery (Москва); Kunstverein (Дрезден); студия «Тихая» (Нижний Новгород); Музей Вадима Сидура (Москва); Artwin Gallery (Москва); галерея Futuro (Нижний Новгород)
Чем занимается: site-specific-инсталляции и их документация, графика, объекты
Владимир Чернышев. Инсталляция «Омут». Нижегородская область. 2018. Фото: архив художника
Мрачная прелесть произведений Владимира Чернышёва заключается в том, что они склонны осыпаться, ветшать, исчезать и вообще как будто обходиться без нас — без зрителей, без коллекционеров. Он намеренно создает невечное и ненадежное, и наши эксперты, поставившие ему высший балл, очевидно, готовы с этим считаться. Художник выбирает для творчества своеобразные материалы: сажу и воск, доски и пыль, канифоль и гудрон (едкий запах которого бьет в нос на его выставках). Графика Чернышёва, созданная путем скобления по копирке, пачкает руки — как и напечатанная на ризографе карта, которая позволяет отыскать его opus magnum — серию сайт-специфических инсталляций на территории заброшенного садоводческого массива где-то под Нижним Новгородом. Там он установил среди прочего самозамкнутую линию электропередачи, автобусную остановку, к которой никогда не приедет транспорт, и ничего не увековечивающий обелиск, сделав руины безымянного поселения притягательными для арт-паломников и вдвойне таинственными для случайных путников.
02. Артём Филатов (1991, Нижний Новгород)
Образование: Нижегородский лингвистический университет им. Н.А.Добролюбова
Награды, достижения: основатель студии «Тихая» в Нижнем Новгороде (2015); победитель грантовой программы Музея современного искусства «Гараж» (2016); лауреат премии банка Credit Suisse и ярмарки Cosmoscow для молодых художников (2017); лауреат премии в области современного искусства «Инновация» в номинациях «Региональный проект» (2018) и «Новая генерация» (2020); «Художник года» по версии Фонда поддержки современного искусства Cosmoscow (2023)
Персональные выставки: галерея XL (Москва); Тульский историко-архитектурный музей (Тула); студия «Тихая» (Нижний Новгород); крематорий (Нижний Новгород); Artwin Gallery (Москва)
Чем занимается: интерактивные инсталляции, объекты
Артем Филатов. «Интеллектуальный труд». 2017. Фото: архив художника
Откровенно говоря, Артём Филатов давно покинул ряды «перспективных художников», перейдя в высшую лигу. Его присутствие в рейтинге — результат несовершенства методологии, требующей учитывать всех заметных авторов до 35 лет включительно (а Филатов не просто заметная, а важнейшая фигура на нашей арт-сцене). Примечательно, что изъян, дефект, ошибка — ключевая категория в его творчестве. Художник создает парадоксальные, обманчивые объекты. Например, урну для голосования, из которой невозможно извлечь бюллетени. Он ставит коллекционеров в патовую ситуацию, предлагая им графику, которая тем быстрее выцветает, чем чаще доставать ее, чтобы полюбоваться (хочешь сохранить — не смотри). Зрителям же приходится выбирать: следовать инструкциям художника или нарушать их. «Мне нравится создавать произведения, в которых участвуют, а не на которые смотрят», — говорит он. Верность эстетике взаимодействия позволила Филатову организовать одну из самых успешных российских арт-институций — студию «Тихая» (резидентом которой, к слову, является лидер нашего рейтинга Владимир Чернышёв).
03. «Малышки 18:22» (Аксинья Сарычева, 1990, Томск; Ника Сарычева, 1999, Томск)
Образование: Институт искусств и культуры Томского государственного университета
Награды, достижения: победители грантовой программы Музея современного искусства «Гараж» (2021); победители грантовой программы для художников Дома культуры «ГЭС-2» (2022, 2023)
Персональные выставки: Masters digital gallery (Санкт-Петербург); a—s—t—r—a gallery (Москва); Центр культуры «ЦК 19» (Новосибирск); Центр современного искусства Terminal A (Нижний Новгород); мультицентр «Контора пароходства» (Тюмень); Музей современного искусства «Гараж» (Москва) и другие
Чем занимаются: объекты, инсталляции, живопись, музыка
«Малышки 18:22». Паблик-арт объект «Торт раненый». Томск. 2022. Фото: архив художниц
Сестры Аксинья и Ника Сарычевы выступают с заведомо невыгодной позиции — двух маленьких, беспомощных, но решительных девочек перед лицом большого, угрюмого, недружелюбного мира. Они понимают, что «починить» этот мир им не под силу, но ведь можно залепить все его несовершенства стразами — и будет хоть чуточку красивее. Свой метод «Малышки 18:22» назвали «бьюти-вандализмом». Вооружившись блестками, розовой краской и помадой, будто бы сворованной из маминой косметички, они сражаются против царящих вокруг серости и разрухи, насилия и нетерпимости. Объекты и инсталляции сестер сделаны нарочито кустарно и как-то неловко, но обезоруживающе искренне. Но наивность этих работ обманчива: под приторной оболочкой скульптур-тортиков (и не только) скрывается начинка из экзистенциальной тревоги. В чем-то «Малышки» наследуют другой знаменитой сибирской арт-группе — «Синим носам» с их искусством «на коленке», абсурдом и трикстерством. Но там, где у «Синих носов» мужицкий стеб, у «Малышек» — девчачий надрыв.
04. Таня Пёникер (1994, Москва)
Образование: Московский государственный институт международных отношений; Институт проблем современного искусства
Награды, достижения: самый молодой участник проекта «Старт» Центра современного искусства «Винзавод» (2011); номинант шорт-листа резиденции ISCP (Нью-Йорк, США) (2020)
Персональные выставки: Schloss Wiepersdorf Cultural Foundation (Бранденбург); галерея Jart (Москва); «Гоголь-центр» (Москва); Vladey Space (Москва); галерея «Пальто» (Москва); ЦСИ «Винзавод», площадка молодого искусства «Старт» (Москва)
Чем занимается: графика, живопись
Таня Пёникер. «Лоно Краба». 2016. Фото: Vladey
Работы Тани Пёникер — это тончайшие хитросплетения эзотерического и эротического, магического и политического. Если угодил в них взглядом, выпутаться сложно: начинаешь всматриваться в придуманный художницей бестиарий, выискивать зодиакальные и алхимические аллюзии, расшифровывать надписи, буквы в которых мимикрируют то под грибы, то под улиток. В этом постмодернистском котле переплавились Босх и Брейгель Бархатный, Пурыгин и Пепперштейн, сказки и мемы. При этом работы очень откровенные — не только в аллегорическом, но и в чисто физиологическом смысле: художница смешивает акварель и тушь с собственной кровью. Порой рецептура ее произведений включает волосы, ногти, полудрагоценные камни, трупики насекомых, крылья бабочек — художественный акт сближается с колдовским. Творит Пёникер не спеша, на одну графическую работу может уйти до полугода. Ее вообще интересуют медленные, трудоемкие техники, что редкость для совриска. Она даже освоила мастерство офорта и гобелена.
05. Ася Заславская (1998, Москва)
Образование: Zurich University of Arts; London Metropolitan University; Архитектурная школа МАРШ, студия «Новгород» Кирилла Асса и Юрия Пальмина
Награды, достижения: победитель рейтинга журнала Forbes Russia «30 до 30» в категории «Искусство» (2026)
Персональные выставки: галерея pop/off/art (Москва); Annahme (Базель); Северо-Кавказский филиал Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина (Владикавказ); кластер «Октава» (Тула); Центр Гиляровского (Москва); Дом Наркомфина (Москва)
Чем занимается: живопись, инсталляции, перформансы, паблик-арт
Ася Заславская. «Уходящая натура». Инсталляция. 2020. Фото: Волга Фест/архив художницы
Несмотря на то что Ася Заславская ворвалась на художественную сцену буквально года два назад, ее имя на слуху в арт-сообществе. За это время состоялось десять ее персональных выставок с географическим разбросом от Базеля до Владикавказа и Апатитов, а сама она побывала в восьми арт-резиденциях. Мало какой художник может похвастать таким разнообразием стилей, жанров, медиумов и материалов. В портфолио художницы и тотальная инсталляция на частной даче, где она обернула мебель сотней простыней, и объемные объекты из стали, и вышивки бисером, и световые инсталляции, и проект «Город N», вдохновленный русской православной иконой.
06. Вова Перкин (1995, Майкоп)
Награды, достижения: победитель рейтинга журнала Forbes Russia «30 до 30» в номинации «Искусство» (2021)
Персональные выставки: Московский музей современного искусства (Москва); Музейный комплекс им. И.Я.Словцова (Тюмень); галерея «Здесь на Таганке» (Москва); Центр Вознесенского (Москва); Myth Gallery (Санкт-Петербург); музей АРТ4 (Москва)
Чем занимается: живопись, скульптура
Вова Перкин. «Дон Дом Расслабон». 2021. Фото: коллекциия Ольги Карпуть
Гигантская яркая живопись, холсты причудливых форм, невиданные существа, кислотные пейзажи и безумные арт-объекты — все это неотъемлемые части самопровозглашенного Вовой Перкиным направления «перкинизм», «канатной дорогой» связывающего три «н»: «народное», «наивное» и «нонконформизм». Сейчас в моде другое искусство — тихое, нонспектакулярное, бесконечно саморефлексирующее. Вопреки мейнстриму, Вова Перкин — один из немногих молодых художников, кто не работает с темами памяти, рода, телесности и детских травм. Он просто «угорает», как это делали в 1980-х и 1990-х теперешние мэтры вроде «мухоморов» или группы-сквота «Детский сад». Птенец гнезда Андрея Бартенева собирает вокруг себя таких же, как он, «сумасшедших и смешных», организуя коллективные «Перкиннале», и плодит невиданных зверей — персонажей, коих уже перевалило за 3 тыс.
07. Евгений Музалевский (1995, поселок Алексеевка, Самарская область)
Образование: Московская школа фотографии и мультимедиа им. А.Родченко; Высшая школа искусств Оффенбаха
Награды, достижения: лауреат Премии Анатолия Зверева (2021)
Персональные выставки: Мультимедиа Арт Музей (Москва); Alina Pinsky Gallery (Москва)
Чем занимается: живопись, графика, фотография, видео
Евгений Музалевский. «Без названия». 2020. Фото: Alina Pinsky Gallery
Свой путь в искусстве Евгений Музалевский начал со стрит-фотографии, потом наудачу подал заявку в Школу Родченко и уже там начал экспериментировать с живописью и графикой. Сперва это были конспекты — сугубо утилитарные. Так художник пытался усвоить знания. Потом — дневники, в которых документальность переживаний перемежалась нарочито наивными записями от лица смежного с автором Другого. И уже после — живопись, сделавшая Евгения Музалевского одним из самых заметных и дорогих молодых художников. Играющая на грани фигуратива и абстракции, его живопись подкупает парадоксальным сочетанием графичности и монументальности. Немаловажный нюанс, выделяющий героя из огромного количества других молодых живописцев, — его внимание к названиям. Наименование картины Музалевского — поэтическая виньетка: «За животом комара пряталась я», «Детали обстановки, например свет, падающий под определенным углом». Важным для художника стал проект «С мамой за спиной», созданный в соавторстве с мамой, на тот момент отбывавшей срок в тюрьме. Художник присылал ей свои живописные работы, переведенные в схемы, а она вышивала их. Заход Музалевского на территорию гуманистического искусства соучастия был оценен высоко: проект был представлен в МАММ.
08. Полина Рукавичкина (1995, Минск)
Образование: Московская школа фотографии и мультимедиа им. А.Родченко
Награды, достижения: номинант премии Leica Oscar Barnack Award (2022); победитель грантовой программы Музея современного искусства «Гараж» (2023)
Персональные выставки: музей АРТ4 (Москва); Музей Вадима Сидура (Москва)
Чем занимается: фотография
Полина Рукавичкина. I Will Rip Your Heart Out. 2021. Фото: архив художницы
Грань между фотографом и художником, использующим фотографию как медиум, подчас едва уловима. Но Полина Рукавичкина обладает именно художественным мышлением. Ее невозможно назвать охотницей за удачным кадром или бесстрастной наблюдательницей, которая, скрываясь за объективом, ждет, что герой съемки будет вести себя как ни в чем не бывало. Для Рукавичкиной важно, чтобы она сама и тот, в чью жизнь она вмешивается с камерой, почувствовали себя на равных — одинаково неловко и уязвимо. Эти отношения взаимной уязвимости и доверия она, в сущности, и документирует. Таков проект I Will Rip Your Heart Out («Я вырву твое сердце»), в рамках которого художница снимала соседку по квартире, ее любовников, слезы, быт, домашний беспорядок — отделить частную жизнь героини от частной жизни фотографа тут невозможно. Рукавичкина работает сериями, так что бартовский punctum — эмоциональный укол, пронзающий зрителя, — не сосредоточен здесь в конкретной детали, а, скорее, накапливается от снимка к снимку.
09. Михаил Добровольский (1994, Воронеж)
Образование: Воронежский государственный архитектурно-строительный университет
Награды, достижения: победитель грантовой программы Фонда поддержки современного искусства Cosmoscow (2023); резидент программы мастерских и арт-резиденций Музея современного искусства «Гараж» (2023)
Персональные выставки: галерея «Х.Л.А.М.» (Воронеж); галерея «Дай пять» (Воронеж); арт-резиденция Vyksa Air (Выкса); квартирная галерея ОССИ «МИ» (Самара); artist-run space “fail again, fail better” (Москва)
Чем занимается: живопись, графика, инсталляции, саунд-арт
Михаил Добровольский. «Тень». 2025. Фото: Варвара Топленникова/Музей современного искусства «Гараж»
Раньше на картинах Михаила Добровольского происходили постоянные потасовки: одни кидались камнями возле часового магазина, другие ссорились из-за застрявшей в зубах кукурузы, кто-то кого-то хватал за ухо. Эти акты насилия отличались тем же непринужденным абсурдизмом и комичной немотивированностью, с какими Андрей Карлович дубасил Алексея Алексеевича своей вставной челюстью в рассказе Хармса. Названия картин, сухо протоколирующие тот или иной нелепый конфликт, тоже напоминали обэриутские анекдотцы. Добровольского, собственно, интересовало, до какой степени юмор способен нейтрализовать агрессию. А когда градус насилия в реальном мире начал нарастать, художник понял: у него больше нет слов. Изображать столкновения между людьми ему перехотелось: их и так хватает вокруг («Непонимание достигнуто», как гласит один из его холстов). Поэтому новые работы художника зачастую лишены текста и посвящены прежде всего тем конфликтам и противоречиям, которые раздирают человека изнутри.
10. Анастасия Ливаднова (2001, Ростов-на-Дону)
Образование: Школа дизайна НИУ ВШЭ
Награды, достижения: номинант рейтинга журнала Forbes Russia «30 до 30» в номинации «Искусство» (2026)
Персональные выставки: галерея XL (Москва); Музей современного искусства «Гараж» (Москва)
Чем занимается: перформанс, фотография, видео-арт
Настя Ливаднова. «Будь готова быть одна». Перформанс. 2026. Фото: Музей современного искусства «Гараж»
К популярному жанру автофикшена Настя Ливаднова подходит нетривиально: ее автофикшен перформативный и постдигитальный. Ядро всей ее художественной деятельности — она сама. Ливаднова — художник-харизматик, обладающий природной пластикой: дерганой, нервной, одновременно модельной и животно диковатой. Перформанс, фото и видео для нее неразрывно связаны. Одна работа становится сырьем для ряда последующих. Эдакое безотходное производство, близкое к жизнетворчеству. Причем жизнетворчество это проходит как в аналоговой среде, так и в экосистеме социальных сетей. Ее перформанс «Будь готова быть одна», исполненный в Музее современного искусства «Гараж», адаптирует текучие интернет-тренды под наиболее телесный жанр искусства, а ипостась Ливадновой-инфлюенсера неотделима от Ливадновой-художника. Выставка в XL или череда «рилсов» — все это в равной степени важные и органичные для нее способы самопрезентации. Она перформер нового поколения: не трансгрессивный радикал, а маниакально пересобирающий микронарративы своей жизни инфлюенсер.
11. Соня Стереостырски (1998, Москва)
Соня Стереостырски. «Гости из будущего». 2026. Фото: МАММ
Соня Стереостырски работает с редкими для отечественной арт-сцены медиумами: искусство в VR-пространстве и авторская компьютерная анимация. Большая часть ее работ сделана в составе арт-группы ППСС, второй участник которой — Павел Пепперштейн. Свою практику они емко нарекают «карнавальным концептуализмом». Примечательно, что одним из ключевых для себя медиумов художники выбрали вечеринки. Они превращают акт устроительства вечеринок в произведение искусства, концептуализируя экстатическое и загнанное ликование современной богемы.
12. Matiush First (1994, Екатеринбург)
Matiush First. Multi person at the sea bottom. 2021. Фото: коллекция Дениса Химиляйне
Художница, ник которой отсылает к сказке Януша Корчака «Король Матиуш Первый», не противопоставляет реальный мир виртуальному — сегодня это одно целое. Поэтому Paint, программы 3D-моделирования, игровой движок, кисти, гуашь и акварель она использует как равноценные творческие инструменты. Matiush First может создавать графику и скульптуру сама, а может поручить это дело роборуке KUKA. Но в конечном счете ее интересуют не столько сами технологии, сколько то, как они меняют наше видение мира. Эту новую оптику она и стремится отразить в своих работах.
13. Миша Гудвин (1995, Воронеж)
Миша Гудвин. Fate in the deck. 2024. Фото: Fabula Gallery
Раньше Миша Гудвин занимался стрит-артом, но сегодня его практика куда более эклектична. Художник невероятно изобретателен в работе с материалами: он соединяет папье-маше и алюминий, пробует гравировку на стекле и металле, превращает работающие настенные часы в раму для графики. Вдохновение он ищет как в реальном, так и в виртуальном мире. Например, скульптуры в виде фантастических громоотводов отражают одновременно его интерес к готической архитектуре и к интернет-фольклору (излюбленный художником мотив молнии связан с мрачновато-мечтательной эстетикой Tumblr и dreamcore).
14. Надежда Лихогруд (1992, Москва)
Надя Лихогруд. «Курьеры». 2021. Фото: архив художницы
Керамические фигурки Надежды Лихогруд напоминают советский фарфор в бабушкином серванте. Но нельзя сказать, что они вызывают лишь ностальгические чувства. Хотя некоторые ассоциируются с постсоветским прошлым, другие вполне современны или вообще существуют вне времени. Любимые герои художницы — дети в забавных костюмах для утренника, женщины, которых будто застали за переодеванием или домашними делами, бабушки на скамейках, курьеры в желтых куртках. Черты лица не считываются, будто они засвечены вспышкой. Это намеренный прием: чем неопределеннее герой, тем проще зрителю увидеть в нем себя.
15. Александра Тен (1998, Иркутск)
Александра Тен. «След ангела». 2021. Видео, 2’47. Фото: архив художницы
Перформанс обычно ассоциируется с внеисторической чувственностью и телесностью, но Александра Тен выбирает нестандартные для направления темы. Ее перформансы посвящены публичной истории и процессу ее превращения в байку. Влияние декабристов на развитие провинции в Российской империи, обувной кооператив в Подмосковье, генезис городского герба — краеведческий, архивный и антропологический материал Тен раскрывает образно и перформативно.
16. Владимир Копейкин (1996, Софрино)
Владимир Копейкин. «Предел прочности». 2023. Фото: Музей АРТ4
Работы Владимира Копейкина брутальны и хрупки. Такую дихотомию диктуют два его излюбленных материала — металл и стекло. Искореженные ударами металлические груши, смятые стеклянные пакеты и ткани, помятый непропорционально длинный флаг — его объекты почти всегда несут на себе следы борения, внешнего преобразования. Страдательный залог материала — так можно обозначить пластическое кредо Копейкина.
17. Екатерина Герасименко (1993, Москва)
Екатерина Герасименко. «Москва». 2026. Фото: архив художницы
Художница запечатлевает в своей графике найденные в повседневности образы. Из всего их обилия она выбирает тревожные фрагменты, неустойчивые и странные элементы реальности. На первый взгляд ничего такого в изображенных ею предметах нет, но именно их сочетания, драматургия отношений между ними рождают тихую тревогу.
18. Даня Пирогов (1996, Нижний Новгород)
Даня Пирогов. «Без названия». 2024. Фото: галерея «Триумф»
Главная тема его творчества — подземные миры: карстовые провалы, пещеры, хтонические образы и «дикое» сакральное. Много лет Даня Пирогов реализует проект «Ямы» — исследование пещер и создание закапываемых объектов. Художник создает из земли, бетона, проволоки и строительного мусора артефакты — останки хтонических существ — и погребает их, скрывая от глаз зрителя.
19. Диана Капизова (1993, Первоуральск)
Диана Капизова. «Падали в воду хрустальные слезы». 2025. Фото: коллекция Зои Галеевой
Диана Капизова создает камерные мюзиклы — уже одно это заставляет обратить на нее внимание. Сочетание 3D-анимации и съемки с реальными актерами, и с ней самой в главной роли, рождает гипнотические спектакли, напоминающие прелестные кошмары. Нарочито кустарные анимационные внедрения вроде гигантского паука или летучего корабля резонируют с подчас тревожными напевами Дианы Капизовой и скрытым в инфантильных грезах саспенсом. Ее источник вдохновения — поп-культура поздних 1990-х — ранних 2000-х. Художница способна преобразовать даже пространство реальной истории, как это произошло с Домом Наркомфина в проекте «Над полями, в облаках слышен голос тихий неземной».
20. Ян Посадский (1996, Мичуринск)
Ян Посадский. «Время». 2019. Фото: архив художника
Стрит-артист, сооснователь (совместно с Мишей Гудвином) культовой квартирной галереи и мастерской «Дай пять» в Воронеже, чья слава вышла далеко за пределы региона. Называет свой творческий метод «современным краеведением», так как перед началом создания каждого мурала глубоко изучает местный контекст. Главная фишка — работа с текстом, визуализация слов и игра со шрифтами.
21. Анна Комарова (1997, Екатеринбург)
Анна Комарова. «Среда обитания». 2024. Фото: архив художницы
Сценограф по образованию, Анна Комарова создает инсталляционные мизансцены, которые сознание зрителя органично преобразует в декорации причудливого спектакля. Летящие кверху брюхом ржавые птицы, левитирующие белые корневища, шелест металла — все это образы Комаровой. Они предельно поэтичны и интуитивно понятны чуткому зрителю, оказывающемуся в предложенных обстоятельствах выставки.
22. Яков Хорев (1991, Чкаловск)
Яков Хорев. Выставка Palyground в студии «Тихая». Фото: Илья Большаков
Один из ключевых представителей нижегородского уличного искусства, график и перформер, резидент независимой художественной студии «Тихая». Лингвист по образованию, Яков Хорев в своих работах любит играть с текстом, намеренно внедряя орфографические и грамматические ошибки. Так автор пытается снизить пафос «серьезного искусства» и приблизить его к повседневной речи человека. Основным инструментом считает свои скетчбуки и карманные блокноты, где совмещает заметки и наброски с коллажами из глянцевых журналов.
23. Никита Пирумов (2002, Нижний Новгород)
Никита Пирумов. «Октябрь впереди». 2023. Фото: Галерея Марины Гисич
Стихия Никиты Пирумова — театр: он получил образование художника-оформителя. В собственном творчестве, которое включает живопись, графику, объекты и перформанс, его полномочия шире: он и режиссер вымышленных постановок, и декоратор, и актер. Среди его альтер эго — художник-неудачник Эдуард Кипятков и радикальный акционист Борис Нойман, который пропал без вести, но еще может вернуться. В проекте «Ширма безопасности» Пирумов выступал от лица лирической героини — девочки-подростка. А недавняя его выставка «Костюмерный цех» была посвящена «человеку-декорации» — форме без содержания.
24. Кирилл Манчунский (1992, Алма-Ата)
Кирилл Манчунский. «Не хочу ничего делать». 2022. Фото: Vladey
Кирилл Манчунский — один из тех художников, кто создает из живописи своеобразные гибриды. В его случае он скрестил с ней вышивку. Полотна Манчунского считываются и как поклон наивному искусству с его нарочитыми формальными упрощениями, и как постинтернет-веяния (многие его произведения напоминают или шаблон для мема, или буквально мем). В практике художника соединяются дигитальный образ и рукотворное, ремесленное исполнение.
25. Дмитрий Шабалин (1993, Березники)
Дмитрий Шабалин. Trash Atlantis. 2019. Фото: PA Gallery
Фигурки из киндер-сюрпризов, покемоны и супергерои, детали Lego, пластиковые фигурные линейки, старые часы, лампочки от советских гирлянд, стразы, бусины, стекляшки — казалось бы, просто груда добра на выброс. Но Дмитрий Шабалин умудряется собрать из нее эффектные, кажущиеся драгоценными маски в духе «космического китч-барокко». Только не стоит сводить его творчество к одним лишь маскам: он делает и диджитал-проекты, и пространственные инсталляции. Например, создает иллюзию межгалактического корабля из далекого будущего, выстроив стены из обычных диспенсеров для антисептика.
26. Антон Мороков (1991, Дрезден)
Антон Мороков. Выставка «В ожидании правильного ветра» в студии «Тихая». 2002. Фото: Артем Филатов
Нижегородский художник уличной волны, резидент независимой художественной студии «Тихая». Исследует темы повседневности, бюрократических и бытовых практик, проводя «тихие перформансы», где стремится быть максимально незаметным и раствориться в толпе. Так, в 2020 году на II Триеннале российского современного искусства в музее «Гараж» Антон Мороков провел скрытый перформанс «Вас обслуживает… Сегодня к вашим услугам…», 19 дней притворяясь рабочим персоналом. За это время он примерил пять профессий — от охранника до экскурсовода.
27. Федор Максимишин (1991, Ленинград)
Федор Максимишин. Midjourney. 2024. Фото: архив художника
Антрополог по образованию, Федор Максимишин занимается визуализацией фантазмы коллективной памяти при помощи искусственного интеллекта. Он использует нейросети как инструмент и метафору одновременно. ИИ выдает галлюциногенные образы России прошлого — страны, которая никогда не существовала и при этом реальна в фантомных ощущениях многих людей. Максимишин смог обратить уязвимые качества нейросети — усредненность образов, глюки — в емкую и точную метафору современного взгляда на историческое прошлое.
28. Саян Байгалиев (1996, село Беткудук, Казахстан)
Саян Байгалиев. «Между этажами». 2024. Фото: архив художника
Искусство Саяна Байгалиева будто бы принадлежит альтернативной реальности, в которой «суровый стиль» советской живописи стал фундаментом для формирования современного искусства. Его пастозные, суровые по колориту и пластике инсталляции представляют мир тотальной живописности — буквально. Из преломленных холстов состоит комната, кухонная утварь — словом, вся бытовуха. Искусство для Байгалиева — материя жизни, очень в духе эстетики «производственников».
29. Павел Зуданов (1991, Липецк)
Павел Зуданов. «4+1». 2025. Фото: Олег Куракин
Известен публике в первую очередь благодаря гигантским надувным скульптурам высотой до 5–6 м, которые всегда создаются под определенную локацию. Своей задачей Павел Зуданов видит создание максимального объема при минимальном весе, при этом шьет все конструкции сам на швейной машинке. Для Зуданова надувное искусство — символ человеческой тревоги: огромная, пугающая, но пустая и легко сдувается.
30. Георгий Хомич (1999, Люберцы)
Гергий Хомич. Выставка «Мелодия воспоминания». 2026. Фото: Николай Козеев
В искусстве Георгия Хомича чувствуется фовистская радость живописи, которой совершенно не нужны надуманные концептуальные обоснования. Художник берет самые простые образы и мотивы: море и лодки, собаки и бизоны, натюрморты с мандаринами, улыбающиеся лица. Но все они являются лишь поводом устроить жизнерадостное буйство красок и фактур. Хомич не привязан к конкретному медиуму, он готов выжимать всю краску из тюбика на холст, экспериментировать с пудрой, лаком, эмалью, делать аппликации и коллажи — годится все, что позволяет творчески выразить нужное настроение и ощущение.
31. Арина Франк (2001, Тверь)
Арина Франк. «Без названия». 2023. Фото: Sistema gallery
Сюжеты экспрессивной живописи и графики Арины Франк основаны на воспоминаниях, которые связаны с травмирующим опытом — как ее собственным, так и других людей. Прежде всего ее волнует проблема насилия над женщинами и детьми. Она пропускает через себя то, что хотелось бы забыть, и то, что было вытеснено в подсознание, но рвется наружу, — чтобы пережевать и «выплюнуть весь крик, и страх, и ненависть огромным сгустком на холст». В ее композициях нет грубой прямолинейности, герои — полуабстрактны, деформированы, деперсонализированы. Но, хотя происходящее еле считывается, сами холсты будто вопят от боли, как у Фрэнсиса Бэкона.
32. Зухра Салахова (1997, Казань)
Зухра Салахова. «Серебро Господа моего». 2020. Фото: Textura gallery
Зухра Салахова занимается тихим и кропотливым искусством: вышивает, сшивает, коллажирует. Вот только ее задача — заставить работы шуметь подобно музыке в жанре «шугейз», где вокал тонет в потоке грубых звуковых эффектов. Вышитые ею люди, звери и насекомые сплетаются и трансформируются друг в друга, меняются ролями; татарский фольклор соседствует с античными мифами, а человеческое общество рифмуется с муравьиным. Образная и смысловая многослойность подчеркнута самой манерой исполнения: Салахова создает из разноцветных ниток красочное месиво, сближая вышивку с живописью действия.
33. Андрей Ишонин (1993, Москва)
Андрей Ишонин. «Повседневное». 2022. Фото: галерея «Пересветов переулок»
Искусство Андрея Ишонина разделяется на две линии: создание объектов и перформанс. Объекты его наследуют традиции сюрреализма в варианте Мерет Оппенгейм: бытовые предметы со сдвигом. Другая ассоциация — «Каталог суперобъектов» Комара и Меламида. Сдвиг присутствует и в перформативной части его практики: фармакологическая и психиатрическая темы для художника ключевые.
34. Анастасия Рыбакова (1998, Красноярск)
Анастасия Рыбакова. Выставка «Добросердечные земляничные ухмылки». 2024. Фото: Галерея сцена/szena
В детстве Анастасия Рыбакова думала, что у растений, которые считаются неодушевленными, непременно есть душа, попадающая после их смерти в особый растительный рай. Художница выросла, и теперь все ее творчество пронизано эмпатией и панпсихизмом. Нарисованные цветными карандашами овощи, фрукты и ягоды проникновенно глядят на зрителя человеческими глазками. А в одной из серий мы наблюдаем за развитием романтического свидания глазами букета. Это отнюдь не так умильно, как может поначалу показаться, особенно когда над букетом возносится нож, которым будут обрезать кончики стеблей.
35. Дарья Арбузова (2001, Москва)
Дарья Арбузова. No pain, No game. 2025. Фото: Sistema gallery
Среди множества художников, работающих с постинтернет-эстетикой, Дарья Арбузова считается особенно чувственной. Ее скульптурные объекты из стекла и пластика часто напоминают кристаллические цветы — прошедшие через дигитальную призму дары возлюбленным. Полупрозрачные сгенерированные нейросетью букеты таят в себе хищническую пластику, не теряя при этом свою подчеркнутую декоративность, — новое слово в разговоре о гендерно окрашенном искусстве.
36. Екатерина Афонина (1996, Минск)
Катя Афонина. La ricetta per piacere. 2023. Фото: Sistema gallery
Графика и ассамбляжи Екатерины Афониной созданы по законам идеальных фото для соцсетей. Флакончики дорогого парфюма, свечи, книги и разные симпатичные вещицы — все расставлено и разложено самым фотогеничным образом. Художница напоминает, что обрамленный золоченой рамой фрагмент красивой жизни — это лишь симулякр, иллюзия, которую лелеет постсоветский человек, стесняющийся своего небогатого детства. Та же тема сквозит в серии керамики, изображающей сумки люксовых брендов. Они вылеплены из глины нарочито неизящно и кривовато. Но что увидит в них зритель: фальшивую Chanel или подлинную Афонину?
37. Анна Лапшинова (1996, Москва)
Анна Лапшинова. «Спящие». 2020. Фото: Галерея современного искусства «БИЗОN»
Работы Анны Лапшиновой ощущаются как шепот: мягкие пастельные и масляные тени на ткани негрунтованного холста, упавшие на кресло световые потоки фар проезжающей мимо машины и прочие приглушенные образы. В работах художницы принципиальную роль играет ткань. Складки материи превращаются в укромные убежища, где прячутся ее герои: люди, тени, воспоминания.
38. Антон Левин (1991, Нижний Новгород)
Антон Левин. «Малиновый мальчик». 2022. Фото: Vladey
Художник круга петербургского андерграундного объединения «Север-7» стал известен благодаря использованию нетипичного материала — пластилина. Имея за плечами академическое образование, часто обращается к классическим сюжетам Ренессанса, барокко и французского постимпрессионизма, создавая ироничные пластилиновые копии шедевров. Другое излюбленное направление Антона Левина — современные мемы, тоже из пластилина.
39. Артур Кривошеин (1994, Уфа)
Кривошеин Артур. «Необитаемые выводы». 2026. Фото: a—с—t—р—a gallery
Артур Кривошеин — художник-абстракционист с техническим образованием. Считает абстракцию «точной наукой», фиксирующей не хаотичный выплеск эмоций, а работу мозга в процессе выбора. Не использует эскизы, спонтанно развивая композицию от точки на холсте, а появление нового элемента у него обусловливается предыдущим. В некоторых работах использует национальные башкирские орнаменты.
40. Яков Хомич (1997, Москва)
Яков Хомич. «Семья колонизаторов». Выставка «В поисках короля Джулиана». 2025. Фото: Галерея ART&BRUT
Художник-постановщик по образованию, Яков Хомич предпочел академизму примитивизм с элементами поп-арта. Наполняет свои работы милыми персонажами вроде плюшевых медведей, леопардов, лошадей, а также часто добавляет размытые изображения и ироничные надписи. После путешествия по Мадагаскару увлекся джунглями и экзотическими животными, прежде всего лемурами.
41. Михаил Першко (1996, Санкт-Петербург)
Михаил Першко. Выставка «Красные флажки». 2026. Фото: Myth Gallery
Скульптуры и инсталляции Михаила Першко минималистичны и монументальны. Выпускник кафедры художественной обработки металла Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии им. А.Л.Штиглица, он любит материалы, работа с которыми требует терпения и физического усилия: сталь, чугун (также использует кость, а раньше экспериментировал с латунью, нефтью и даже карамелью). Суровые материалы вполне уживаются с пластичными трактовками. Его недавняя выставка «Красные флажки» в Myth Gallery, например, была полна двойственных образов: это и волк — как хищник и загнанная жертва, и коса — как символ жатвы и смерти.
42. Лена Лисица (1991, станица Тбилисская, Краснодарский край)
Лена Лисица. Выставка «Хрупкое» в студии «Тихая». 2022. Фото: Анатолий Козьма
Лена Лисица — пример молодого художника, работающего с «послеобразами» советской эстетики. Сама Лисица застала только энергию инерции этой эстетики — она и становится лейтмотивом ее практики в диапазоне от стрит-арта до объектов. Паттерны с кружевных салфеток, серпы, скашивающие одуванчики, призраки октябрят, перемежающиеся с фантомами детей в нарядах царских времен, — своеобразная готическая хоррор-новелла в декорациях постсоветской страны.
43. Полина Абина (2001, Москва)
Полина Абина. Цифровой объект «Врата». 2025. Фото: архив художницы
Работающая с 3D-графикой и VR‑пространствами Полина Абина тематизирует расхожие постгуманистические сюжеты: апокалиптические пейзажи, мутировавшая флора и фауна. Все эти устойчивые образы работают именно благодаря тем средствам, что выбирает художница: полное погружение в сеттинг вселенной через VR помогает прочувствовать драматургию тревожных сюжетов.
44. Дарья Пасечник (1997, Москва)
Дарья Пасечник. Left before midnight. 2025. Фото: Sistema gallery
Академическую выучку, полученную в Московском государственном художественном институте им. В.И.Сурикова, Дарья Пасечник применяет весьма необычным образом. Она неделями трудится над картиной, скрупулезно нанося краску с помощью аэрографа, чтобы получить изображение, созданное будто бы в графическом редакторе цифровыми кистями. Представьте себе 3D-объект с низким качеством текстур из старой компьютерной игры, написанный в стиле гиперреализма. При этом сымитированы цифровые слои (словно все элементы композиции, фон, блики и тени нарисованы по отдельности) и мягкое неоновое свечение. В итоге трудно поверить, что перед нами настоящая живопись. А ведь это она и есть.
45. Гаянэ Аветисян (1995, Армения)
Гаянэ Аветися. Из серии «Между снами и реальностью». 2023. Фото: Е.К.АртБюро
Творчество Гаянэ Аветисян в хорошем смысле слова эгоцентрично. В его основе сны, страхи, детские впечатления. Сама художница вспоминает тяжелое детство в 1990-х, где не было хороших художественных материалов, например яркого пластилина и фломастеров, поэтому сейчас ее палитра максимально яркая, а живопись — размашистая и экспрессивная. В работах Аветисян часто появляются птицы — герои ее снов — и собаки с длинным туловищем (детская мечта завести питомца).
46. Рома Бантик (1995, Лесной, Свердловская область)
Рома Бантик. human/человек/մարդկային. 2019. Фото: Бертгольд центр
Родившись в закрытом военном городке на Урале, Рома Бантик рос в индустриальной эстетике и проводил время с бабушкой, работавшей в литейном цехе. Основой его художественной практики стало recycled art — создание скульптур из переплавленных алюминиевых банок и деталей от военной техники. Сам автор называет свой метод «литейной живописью».
47. Кирилл Ермолин-Луговской (2001, Самара)
Кирилл Ермолин-Луговской. Выставка «До…после». 2023. Фото: Центр современной культуры «Нулевая комната»
Кирилл Ермолин-Луговской работает с концепцией и интонацией «левой меланхолии»: интерес к политически заряженному искусству начала XX века художник сочетает с присущей современности меланхолической рефлексией. Не менее важная ипостась Ермолина-Луговского — куратор независимого пространства ОССИ (Окраина самарского современного искусства) «МИ», ставшего одной из главных площадок современного искусства в Самаре.
48. Алена Пасхина (1999, Долгопрудный)
Алена Пасхина. Из серии «Горизонт» (X), 2024. Фото: PiranesiLAB
Алена Пасхина пытается уловить и запечатлеть нечто ускользающее и эфемерное. Не конкретный вид города или природы, а то, что осталось от этого вида в памяти, когда впечатление уже рассеялось. Не дом, а ощущение дома. Для создания зыбких, неуловимых образов художница использует необычные методы. Например, выходя на пленэр, она вышивает пейзаж по его просвечивающим очертаниям на ткани. Или «обнимает» деревья белой материей, чтобы получить «отпечатки их существа». А еще снимает с кирпичей формы в воске и песке, складывая из них модель закопченного домашнего очага. Получается тактильно, плавно, тепло.
49. Павел Польщиков (1998, Москва)
Польщиков Павел. Tertiary Book. 2020. Фото: Музей современного искусства «Гараж»
Вкратце описать искусство Павла Польщикова можно словосочетанием «постинтернет-алхимия». Устойчивые символы герметических наук он воссоздает в графике, текстиле и скульптуре. Образы из далекого прошлого, прошедшие через оптику современного художника, начинают приобретать актуальные коннотации. Чувствуют себя такие произведения органично как в форме «рилса», так и в форме тотальной инсталляции в нонпрофитном пространстве.
50. Лидия Жудро (1991, Москва)
Лидия Жудро. Объект «Канцелярские ластики и клячки, металлический стержень, клей». 2015-2025. Фото: Syntax Gallery
Лидия Жудро работает с темами альтернативных способов передачи информации и феноменов человеческого понимания, используя необычные материалы, включая наждачную бумагу, микрочастицы в прозрачных структурах, книжные листы и личные документы. В основе концепции — японская философия «ма», придающая ценность паузе, пустоте. В работах обращается к так называемому асемическому письму (без использования слов).
Молодые художники, имена которых назвали эксперты дополнительно
Ксения Анненко
Даниил Антропов
Сабина Байсарова
Карина Батраченко
Ваца (Мария Кукушкина)
Агата Гафарова
Алиса Гвоздева
Наташа Гончарова
Даша Иванс
Ибрагим Ихлазов
Анна Кондратьева
Лана Морозова
Зумруд Омарова
Александра Пацаманюк
Паша Пошукай
Катя Правда
Эрика Савина
Серафима Сажина
Ульяна Сорокина и Рената Шарипова
Илья Цхурбаев
Варвара Чельцова
Арина Шабанова
Саша Шардак
Суржана Ширабдоржиева
Вера Ширдина
Danot Danil
Oper Bomse
Soul Андрей
Эксперты рейтинга
Игорь Волков
Искусствовед, куратор, сотрудник сектора новейших течений Государственной Третьяковской галереи
Сергей Гуськов
Художественный критик, куратор, журналист, автор Telegram-канала «Гуськов ТВ»
Антон Козлов
Коллекционер современного искусства
Дарья Колпашникова
Куратор, начальник отдела региональных проектов Государственного музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина
Елена Куприна-Ляхович
Основатель и директор галереи «Е.К.АртБюро»
Анна Наумова
Сооснователь и арт-директор ярмарки молодого современного искусства blazar и галереи Sample
Наталия Опалева
Основатель и генеральный директор Музея AZ и Центра современного искусства AZ/ART, коллекционер
Милена Орлова
Главный редактор The Art Newspaper Russia
Алиса Прудникова
Программный директор Дома культуры «ГЭС-2»
Дарья Пыркина
Кандидат искусствоведения, академический руководитель магистерской программы «Практики кураторства в современном искусстве» Школы дизайна НИУ ВШЭ
Ирина Саминская
Руководитель проектов Фонда поддержки и развития современного искусства «Винзавод»
Яна Сидоркина
Художник, музыкант, автор Telegram-канала «Ты сегодня такой Пепперштейн»
Галина Тебиева
Директор Художественного музея им. М.Туганова (Владикавказ)
Ася Филиппова
Основатель и директор Центра творческих индустрий «Фабрика»
Станислав Шурипа
Художник, куратор, преподаватель, ректор Института современного искусства Иосифа Бакштейна
